Leonor Serrano Rivas 

Cosmic Dances

Written in two times……………………………..……..…………………...Teresa Lanceta, Mutxamel


2019. Arabesque is in the making. Despite the tension between warp and wood, threads move as time slides towards an ever-present past and future. Thus, Leonor Serrano Rivas´ Arabesque, a palimpsest which although its origins are distant, is forged in the Alhambra when it was once staged Sergei Diaghilev's Ballets Russes. Leonor picks up that moment in time when dancers drew with movements mesmerizing figures, not dissimilar from the Islamic ornaments surrounding them, this time in terms of dancing. 

Such dynamic lines, – understood and experienced as strength, knowledge and beauty – are captured in a journey for the creation of a scene via Tangier, where the artist produce along master weavers a warp in which she imprints ornamental drawings. All thanks, to a to a craft spanning centuries and different cultures. And thus, the warp somehow bodily supports the work, with longitudinal threads stretched on the loom, usually hidden by the perpendicular threads of the weft.

This intertwining of warp and weft forms the weave and creates patterns. However, in our case, the warp yarns assume a leading role and the weft is discarded, so it is on them that the arabesques will finally be drawn, emerging as in a new medium. Afterwards, through the consultancy with the Real Fábrica de Tapices and its expert craftsmen– in charge of weaving and producing extraordinary invaluable carpets for centuries– frames for the support of the loom models, are tailored and assembled. These frames allow the threads to intermingle at the slightest movement without losing the structure, which in Arabesque will make the drawn arabesques palpitate before our eyes.

Like fabric embracing a carcass, tailored to a wooden body, Arabesque is a figure composed of lines and forms imprisoned in an endless number of screen-printed wool threads: rods, ovals and drums kept under tension by the loom´s warp. Just as the stillness of a dancer's body carry ceaseless movement, the sculptural body of Serrano Rivas's piece subtlety manifests similar promises. Hence the stillness of the loom both maintains and continually alter the now trembling ornamental hierarchy, scintillating in our relentless gaze – never truly fixed – like the slightly oscillating suspended body. The sort of light vibration, in serene equilibrium, like a well-known dance step, arabesque, which gives its title to her work and turns the dancer into a bird. 


2020. Leonor has completed the project. Arabesque since its inception, has travelled a journey leading the piece closer to an inert move, to a wingless fly and quiet dance. All through process – Serrano Riva´s exhaustively researched the Alhambra and the Ballets Russes, focusing his

study on the ornaments, dances and illustrations – and circumstances. Now it can be seen built, with

the humble greatness that real craftsmanship brings upon: complexity and simplicity at once.

Deep inside, the collective manufacture of Arabesque lies in many hands and varied knowledge: spinners, weavers of the upmost excellence, carpenters and loom restorers along process-connoisseurs. All of them attentive to the fine effort and sustained care for detail since ancient times, and therefore essential for the project.

In Tangier, Serrano concentrates on the wool and weavers' souk, where, the warp threads take on a life of their own and resurface as a canvas for the silk-screen printing of an ornamental repertoire. That same warp-canvas became the skin and body of a sculpture, wide open and suspended in the air. Expertise translated into volume and form, through desire, revealing the architectural knowledge of Leonor, – also an architect –and bringing along architecture and art, desire and a shared effort.

In the substratum of this apparently unstable sculpture, we find an art at work imagining a new world longing for dance, as any other living being. Leonor Serrano Rivas has travelled a path that not only retakes on the Bauhaus or the Russian avant-garde´s craft dream, but even more pursues craftsmanship along excellence. As a young artist her practice is a response both to her time but also to desire, and dance here is central to that desire.

Sung by two bodies….………………………………………..……..…..Laura Vallés Vilchez, London


2016. Undoubtedly, Teresa, the dancing body operates as a vehicle for constellations of symbols. Hence symbols articulate a fragmented imaginary sustained by a body, as a memory archive, as much as an oblivion. Aby Warburg knew this well: images survive and pierce time like ghosts of history. His Atlas Memosyne, made in his last years, posed a strategy for knowledge, but also for survival. His mental health, his schizophrenia, stimulated a work that highlights the blurred boundaries encircling reason.  However, it also funnelled the birth of a constellation of images whose meaning is acquired according through interrelationship. In 2016 his 150th birthday was commemorated and, here where I live, a great meeting took place that made us vibrate with Gizburg, Mitchell or Didi-Huberman, among other figures that reminded us of the need to widen the limits of aesthetics.

But we know of the need of beauty despite its relationship with anthropology, astrology or psychiatry, and so we find in the second panel of the Warburian Atlas, to which Leonor perhaps returns on this occasion as inspiration. Six humanoid figures and mythological animal creatures, which seem to dance in unison, moved by a mysterious wind. The curvatures of their modulated bodies, however, contrast with the rectangle of the sheet, of the panel, of the exhibition room in which we try to discern the rhythm to which these figures dance: What melody do they sing? And a stealthy wind generates a chorus of three voices when we write with four hands, almost as drawing on white paper, writing on invisible winds, trapping movement.

A few months ago, Teresa said: 'I long to have a voice capable of singing. Writing is the closest I can get to that frustrated desire'. But is it possible to sing with the body, Alicia Navarro also wonders. Leonor's Cosmic Dances invites us to this exercise in which languages and bodies merge to establish new meanings. 

The exhibition begins with the 'lost gesture' of which Navarro writes when, in a recent essay, she relates how the esoteric movements and alternative spiritualities of the 19th century stand as scenic possibilities evoking, for the first time, what Agamben said, 'that which escaped them'. Gestures that reveal a desire to grasp what reason cannot reach, what every religion aspires to. Hidden knowledge that hides the possibility of articulating other ways of understanding the world. A 'superior' space in which men and animals coexist in harmony and in which languages -beyond words, music, dance- cannot be differentiated. What if the language of the dancer is a 'living arabesque' as Lorca said? As you explain, Teresa, Leonor's work gives an account of that which you did not expect.

2022. Thus, this exhibition shows two great

opposing presences that place us, visitors, in a triangulation with the works of art. On the one hand, we find four suspended looms of printed goat wool, among other materials, whose starting point lies in that Arabesque full of screen-printed threads tensioned by the warp of the loom. On the other hand, the exhibition presents large iron hinged plates perhaps as a fan when passing. A sort of formally semi-circular rods that, in turn, support, right in their centre, a microcosm reminiscent of a large nebula.

Like in astrophysics is often stated, we are indeed stardust and precisely here a kind of stellar wind surfaces in an odd game of scale and weights. The logic of a wind generated by an iron fan that hides a crystal painted with metals and nitrates facing each other that also form a faceted polyhedron, acting as a galaxy of possible worlds. It is a polyhedron in which blows a cosmic wind that seems to want to cross everything: land, man, animal and universe. Suspended by two fine threads, this series of world-crystals reminds us of the fragility with which a cosmos is sustained. A cosmos hanging by a thread, a world made of dust.

 This mysterious dance that Leonor Serrano Rivas invites us to experience introduces different registers ranging from the handmade to the technological and implying a stealthy leap of scales from the micro to the macro. And this one, reveals what defines serendipity, and that is that in the construction of knowledge rests the accident, the chance beyond the discovery or conscious search. Like the same unforeseen fortune that has brought us to this point: to this document written in two tenses whose words are carried away, words sung by our two bodies.



Leonor Serrano Rivas

Danzas cósmicas

Escritas en dos tiempos...................................................................................Teresa Lanceta, Mutxamel

2019. Arabesque está en proceso de gestación. A pesar de la tensión de la urdimbre sujeta a la madera, los hilos se mueven mientras el tiempo transita hacia un pasado y un futuro siempre presentes. Así Arabesque de Leonor Serrano Rivas, un palimpsesto que, aunque sus orígenes son lejanos, se fragua en la Alhambra cuando en cierta ocasión fue escenario de los Ballets Russes de Sergei Diaghilev. Leonor recoge el momento en que los movimientos de los bailarines dibujan esas figuras mágicas que en el ballet no eran muy distintas los ornamentos islámicos que les rodeaban. En el viaje hasta la creación de su propia escena, esta artista busca plasmar el momento extraordinario en el que los bailarines crean esas líneas dinámicas —entendidas y vividas como fuerza, conocimiento y belleza— y las lleva a Tánger donde artesanos tejedores le ayudan a construir —gracias a un oficio que ha recorrido siglos y culturas—, una urdimbre en la que fija dibujos ornamentales. La urdimbre, que sustenta el cuerpo de este trabajo, son hilos longitudinales tensados en el telar que quedan habitualmente ocultos por los hilos perpendiculares de la trama. El cruce de la urdimbre y la trama siguiendo un código forma el tejido y crea los dibujos. En el caso que nos ocupa, por el contrario, los hilos de la urdimbre asumirán por completo el protagonismo desapareciendo la trama por lo que es en ellos don de van a ser dibujados los arabescos. El siguiente movimiento la lleva a la Real Fábrica de Tapices donde expertos artesanos tejen valiosas alfombras. Allí construirá los marcos que mantendrán esa pieza en pie siguiendo los distintos modelos de telares. Estos marcos hacen posible que los hilos se entremezclen al menor movimiento sin perder la estructura lo que en Arabesque hará palpitar ante nuestros ojos los arabescos dibujados. Como una tela que se adapta a una carcasa, a un cuerpo de madera, Arabesque es una figura que consta de líneas y formas presas en un sinfín de hilos de lana serigrafiada: barras, óvalos y tambores que la urdimbre del telar mantiene tensionados. Así como en la quietud del cuerpo de una bailarina subyace un incesante movimiento, así en el cuerpo escultórico de la pieza de Serrano la quietud del telar va a mantener y a alterar continuamente la estricta ordenación de los ornamentos plasmados bien por lo sutiles movimientos que pueden originarse a su alrededor o bien por la naturaleza de nuestra mirada siempre en movimiento, incapaz de quedarse fija por mucho tiempo. Suspendida en el aire, la pieza construida por Leonor Serrano Rivas va a vibrar como el equilibrio sereno de ese conocido paso de baile, arabesque que da título a su obra y que convierte al bailarín en pájaro.

2020. Leonor ha finalizado el proyecto. Arabesque ya ha recorrido el camino propuesto, es más, ha logrado satisfacer las promesas más interesantes e inteligentes hechas en sus inicios. Serrano, que ideó el proceso y las circunstancias que lo han hecho posible, investigó exhaustivamente la Alhambra y los Ballets Rusos, centrando su estudio en los ornamentos, bailes e ilustraciones e indagando una y otra vez la manera de hacer mover lo inerte, volar lo que no tiene alas y hacer bailar su escultura. Ahora se puede ver construido, con la humilde grandeza que tiene la buena artesanía se ha convertido en algo sencillo y muy complejo a la vez. De factura colectiva, Arabesque extrae su valor de múltiples manos y saberes variados, los necesarios para llegar a cuajar la idea: hilanderos, tejedores, algunos muy diestros en la ejecución de telas y tapices, carpinteros y restauradores de telares y herramientas para tejer, todos ellos experimentados conocedores de procesos que se repiten sin apenas variaciones desde la antigüedad, tan entendidos y diestros como para poder reconducir esos conocimientos hacia la transformación necesaria exigida, porque la pieza ha requerido de discernimiento y cooperación para hacer posible la variación y los cambios. En Tánger, Serrano se concentra en el zoco de la lana y de los tejedores, donde, gracias a subvertir el uso tradicional de la urdimbre que es una parte interna y oculta de la estructura de los tejidos, consigue que esos hilos de la urdimbre cobren vida propia y salgan a la superficie haciendo las veces de un lienzo donde estampar (serigrafía) dibujos ornamentales. Esa mismaurdimbre‐lienzo se convirtió en la Real Fábrica de Tapices de Madrid en la piel y el cuerpo de una escultura abierta y suspendida en el aire. Con el saber de expertos tejedores y constructores de telares consiguió darle la forma y los volúmenes deseados que desvelan el conocimiento arquitectónico de Leonor, también arquitecta, evocando posibles propuestas de algunos de los más emblemáticos edificios actuales, un puente que ambas orillas, la arquitectura contemporánea y el arte, desean y comparten. En el sustrato de esta aparentemente inestable escultura encontramos un arte que imagina un mundo nuevo que desvela el soterrado sueño de todo ser vivo: bailar. Leonor Serrano Rivas ha recorrido un camino que no solo rememora el sueño de los oficios de la Bauhaus o de la vanguardia rusa, el hacer de la artesanía y la obra útil y bien hecha, ella es una artista joven que quiere mover el arte de su tiempo no solo responderle; quiere revelar, no solo reconocer, quiere bailar.

Cantadas por dos cuerpos.........................................................................Laura Vallés Vílchez, Londres

2016. Sin duda, Teresa, el cuerpo danzante opera como vehículo generador de constelaciones de símbolos. Símbolos que articulan un imaginario fragmentado que se sostiene gracias a un cuerpo que es un archivo de la memoria, pero también del olvido. Aby Warburg lo sabía bien: sabía que las imágenes sobreviven y atraviesan el tiempo como fantasmas de la historia. Su Atlas Memosyne, realizado en los últimos años de vida, fue una estrategia de saberes, pero también de supervivencia. La salud mental, su esquizofrenia, estimuló una labor que pone en evidencia la borrosa frontera que delimita la razón y que, asimismo, posibilita la creación de una constelación de imágenes cuyo sentido se adquiere en función de su relación. En 2016 se conmemoró su 150 nacimiento y, aquí donde yo resido, tuvo lugar un gran encuentro que nos hizo vibrar con Gizburg, Mitchell o Didi-Huberman, entre otras figuras que recordaron la necesidad de ensanchar los límites de la estética. Pero nosotras sabemos que nos hace falta la belleza y que ésta no está reñida con la antropología, la astrología o la psiquiatría como la que se desprende al ver el segundo panel del Atlas warburiano al que Leonor vuelve en esta ocasión como inspiración. En éste se ve a un grupo de seis figuras humanoides y criaturas animales mitológicos, que parecen danzar al unísono movidas por un viento misterioso. Las curvaturas de sus cuerpos modulados, no obstante, contrastan con el rectángulo de la lámina, del panel, de la sala de exposiciones en el que tratamos de discernir el ritmo al que estas figuras danzan, ¿qué melodía cantan? Como las banderas que estas palabras que escribimos a cuatro manos dibujan en este papel blanco, ‘banderas ’movidas por un viento sigiloso que genera un coro a tres voces. Hace unos meses Teresa decía: ‘añoro tener una voz capaz de cantar. Escribir es lo más cercano a ese deseo contrariado’. Pero, ¿se puede cantar con el cuerpo?, también se pregunta Alicia Navarro. Danzas cósmicas de Leonor nos invita a ese ejercicio en el que los lenguajes y los cuerpos se funden para establecer nuevas significaciones. La exposición empieza con el ‘gesto perdido ’del que escribe Navarro cuando, en un ensayo reciente, relata cómo los movimientos esotéricos y espiritualidades alternativas del siglo XIX se erigen como posibilidades escénicas evocando, por primera vez, aquello que decía Agamben, ‘aquello que se les escapaba’. Gestos que revelan un deseo de asir lo que no alcanza la razón, a lo que aspira toda religión. Unos saberes ocultos que esconden la posibilidad de articular otras maneras de entender el mundo. Un espacio ‘superior ’en el que hombres y animales conviven en armonía y en el que los lenguajes —más allá de las palabras, la música, la danza— no se pueden diferenciar. ¿Y si el lenguaje de la bailarina es un ‘arabesco vivo ’ 

que decía Lorca? Como explicas, Teresa, la obra de Leonor da cuenta de aquello que no esperabas.


2022. Así, esta exposición muestra dos grandes presencias enfrentadas que nos sitúan, a nosotras, visitantes, en una triangulación con las obras de arte. Por un lado, encontramos cuatro telares suspendidos de lana de cabra estampada, entre otros materiales, cuyo punto de partida reside en ese Arabesque repleto de hilos serigrafiados tensionados por la urdimbre del telar. Por el otro, la exposición presenta unas grandes planchas batientes de hierro que hacen las veces de abanico al pasar. Una suerte de varillas formalmente semicirculares que, a su vez, sostienen, justo en su centro, un microcosmos que recuerda a una gran nebulosa. En astrofísica a menudo se dice que somos polvo de estrellas y es precisamente esa suerte de viento estelar el que aparece recogido en un juego de escala y de pesos que, si nos detenemos un instante, no parece encajar. La lógica de un viento generado por un abanico de hierro que esconde un cristal pintado con metales y nitratos enfrentados que, asimismo, arman un poliedro facetado, haciendo las veces de galaxia de mundos posibles. Se trata de un poliedro en el que sopla un viento cósmico que parece querer atravesarlo todo: terreno, hombre, animal y universo. Suspendido por dos finos hilos, esta serie de cristales-mundo nos recuerda la fragilidad con la que se sostiene un cosmos. Un cosmos que pende de un hilo, un mundo hecho de polvo. Este danzar misterioso que nos invita a experimentar Leonor Serrano Rivas introduce diferentes registros que van desde lo artesanal a lo tecnológico e implica un sigiloso salto de escalas de lo micro a lo macro. Y, este, pone de manifiesto aquello que define la serendipia, y es que en la construcción del saber descansa el accidente, la casualidad más allá del descubrimiento o de la búsqueda consciente. Como la misma imprevista fortuna que nos ha traído hasta aquí: hasta este documento escrito en dos tiempos cuyas palabras se dejan llevar, palabras cantadas por nuestros dos cuerpos.

Leonor Serrano Rivas (1986, ES) lives and works between Málaga (ES) and Oxford (UK). She graduated from MFA Fine Arts, Goldsmiths University of London in 2015 and is currently pursuing a PHD in Fine Arts at Slade School of Art. Recent solo exhibitions and performances include: Matadero, Madrid, ES (2019-2020); C3A, Cordova, ES (2019); The Swiss Church, London, UK (2017); Chisenhale Studios, London, UK (2016); Serpentine Galleries, London, UK (2014). Recent group exhibitions include: CAAC, Seville, ES (2021); Centro Cultural de España en México, Mexico City, MX (2020); CAAC, Seville, ES (2019); V22, London, UK (2018); Foundation Botín, Santander, ES (2018); CA2M, Madrid, ES (2018); Platform Revolver, Lisbon, PT (2017); Bluecoat Gallery, Liverpool, UK (2016). Serrano Rivas has been the recipient of a number of prizes including the Alhambra Prize 2019, ARCO Madrid Young Art award and the Caja Madrid Art Projects Prize. Leonor is currently preparing a solo show for Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) opening in autumn 2022.